CINE Y VIDEOJUEGOS (¡Feliz Navidad!)

Ha pasado mucho tiempo desde que empezaron a comercializarse los primeros videojuegos, al principio sencillos y que, con el paso del tiempo, se empezaron a complicar y a tener tramas cada vez más enrevesadas, hasta convertirse en auténticos guiones dignos de las mejores películas.

Gracias a las nuevas técnicas de animación y captura de movimiento, esas elaboradas tramas se acompañan de gráficos cada vez más realistas, en los que hay veces que te preguntas si las imágenes que ves son reales o no. Esto ha hecho que algunos videojuegos sean como un paso más del cine, donde el espectador es el protagonista y se siente partícipe de las acciones.

Por remitirnos a la actualidad tenemos títulos que han llevado lo anterior a otro nivel, aunando argumentos y tramas de lo más cinematográficas con los últimos avances en animación, juegos como ‘Heavy Rain’, en el que nos sumergimos en un thiller de asesinatos, desapariciones e investigaciones policiales para atrapar a un asesino en serie. En este videojuego adoptaremos el papel de varios de los personajes principales para ir creando las piezas de un puzzle que terminarán de encajar cuando acabe el juego, y cabe decir que según como te hayas comportado a lo largo de la partida el final puede ser múltiple.

Otro título como ‘L.A. Noire’ nos traslada a Los Ángeles de los años 40’s para luchar contra el crimen en el departamento de policía de esta emblemática ciudad americana. Todo ello con una estética y un planteamiento desde el punto de vista puramente cinematográfico, digno del mejor cine negro. Además este videojuego está realizado con una técnica de captura de movimiento facial basado en cámaras, dando así un aspecto mucho más realista, hasta el punto que para resolver las investigaciones, tengas que basarte en los gestos de los testigos para saber si mienten o dicen la verdad ¡Todo un reto para los más observadores!

Entre la multitud de títulos, incluso, podemos encontrar auténticas trilogías de acción al más puro estilo Indiana Jones con ‘Uncharted’, que ahora está por su tercera entrega.

Y no es de extrañar que en la actualidad los videojuegos se estén adaptando al cine, ya que en esta nueva industria se ha visto un gran potencial de guiones e historias. Como ya hicieron en su momento con la heroína Lara Croft (Tomb Raider), son muchos los videojuegos que tienen, con mayor o menor acierto, su adaptación a la gran pantalla, y es que con las historias que estos desarrollan parece un paso lógico en su evolución; salir de nuestras casas para plasmarse en el cine y seguir así con su máxima finalidad, entretener. Para empezar solo tienen que sentarse en el sofá, quedarse a oscuras, encender la consola y pulsar ‘START’.

Selina K.

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20 AÑOS SIN FREDDIE MERCURY

Tal día como hoy, un 24 de noviembre, hace ya 20 años, moría uno de los artistas más valorados, respetados y admirados de todos los tiempos. Frarrokh Bulsara, también conocido como Freddie Mercury.

El legado de este cantante nacido en Zanzibar es tan extenso que mantiene casi la misma popularidad que en sus días más gloriosos, allá por los años 80. Y esto es debido a su carismática personalidad sobre el escenario, su excelente voz de casi 4 octavas de rango y sus creaciones incomparables que abarcaban géneros tan dispares que van desde el Hard-Rock o el gospel hasta el Charleston o la música disco.

Es por eso que hoy queremos reflejar la carrera de este cantante, que lideraba al afamado grupo QUEEN, con 20 de sus mejores composiciones tanto en solitario como en compañía de los otros genios de la banda.

1. Bohemian Rhapsody, sin lugar a dudas su obra más conocida y extravagante. La canción mezcla una balada de la era más GLAM-ROCK con partes operísticas y un final HEAVY METAL, cuyo “riff” de guitarra fue compuesto por el propio Freddy al piano y ejecutado maravillosamente por B.May. El grupo llegó a grabar 64 pistas de voz entre ellos 4.

2. Bicycle Race, esta canción resume la personalidad musical de Mercury, saltando de notas bajas a notas altas y rozando la locura armónica, cambiando los tempos dividiéndolos o multiplicándolos. Una joya con una letra muy Hippie, muy de la época.

3. Don’t Stop Me Now, si existe una canción para “ponerse las pilas” es esta. Sin duda un tema para el coche, la ducha, una fiesta o levantar el ánimo ante cualquier situación.

4. My Melancholy Blues, una de las canciones más desconocidas de Queen y otro de los registros diferentes de Freddie. Este blues pausado y jazzero es sin duda una muestra del talento vocal de Mercury y el su buen gusto tocando el piano.

5. Good Old-Fashioned Lover Boy, no es un secreto que las obras más interesantes tanto de Queen como de Mercury nacieron en los 70, muestra de ello es esta pieza al estilo Music Hall, o de Cabarette.

6. In the Lap of the Gods (revisted), una balada de Hard Rock que recomiendo tanto en su versión de estudio en el año 74, como en la versión en directo en el año 86 en la que se cambió el piano por la guitarra para hacerla mucho más rockera y actualizada.

7. Barcelona, la que se convirtiera en himno de las olimpiadas del 92, fue la canción que dio título a su segundo disco en solitario. Aquel que grabara con Monserrat Caballé, que era una de sus cantantes favoritas. En esta canción puede apreciarse el rango vocal de Mercury.

8. It’s a Hard Life, posiblemente la canción más personal de Freddie y que terminó por convertirse en su canción favorita (entre sus composiciones).

9. Killer Queen, posiblemente su mejor obra, esta canción que navega entre el Glam Rock y el Charleston, recorre diferentes tonalidades para culminar en un solo brillante de B. May. Sin duda un trabajo excelente de todo el grupo y en especial de Freddie en el clavicordio.

10. Innuendo, esta canción se puede considerar el segundo “Bohemian Rhapsody”, ya que al igual que el hit del 75, alberga diferentes canciones o generos en un solo tema. Lo que empieza siendo una potente marcha militar, desemboca en un estribillo rock que se transforma en su tramo intermedio en una operística coral precedida de un guitarreo que alude al flamenco, y tras la extravagancia vocal llega un punteo heavy metal para dejarnos donde comenzamos. Genial de cabo a rabo.

11. Love of My Life, balada insignia de Mercury que en su versión en directo se simplificó al máximo con solo guitarra y voz.

12. Let Me Live, canción gospel compuesta en el 83 que no vio la luz hasta el disco póstumo del grupo “Made in Heaven” en el 94. En ella se puede disfrutar de la voz de R. Taylor y B. May en diferentes estrofas como solistas. En el tramo final además, se contó con un coro gospel. No era la primera vez que Mercury jugaba con el gospel, ya que en el año 78 compuso la famosa “Somebody to Love” que Mocedades versionó en español como “Un poco de amor”.

13. Lazing on a Sunday Afternoon, este aperitivo de cabaret junto al tema “Seaside Rendezvous” forman parte del gusto por el vodevil de Mercury y que muestra en diversas composiciones llenas de geniales efectos en los que se reinventaban constantemente. En esta ocasión Mercury cantó a través de un bote para lograr el efecto de su voz entre otras cosas.

14. In My Defense, sin duda una de las canciones en solitario más potentes de Mercury. Con un final apoteósico en sus notas vocales en una canción de escasos 4 acordes. Aquella canción la escribió en el 86, época en la que se estima que Mercury descubrió su enfermedad y que ocultó hasta el 91, año en que murió por una bronconeumonía agravada por el SIDA.

15. Princess of the Universe, como parte de la banda sonora de la película “Highlander” (Los inmortales), Freddie compone aquí uno de sus temas más duros. Pero como siempre introduciendo arreglos vocales extraordinarios.

16. Guide me home, esta joya minimalista que interpreta junto a M. Caballé muestra los matices de la voz de Mercury, capaz de cantar suave y con gusto al comienzo para terminar con fuerza transmitiendo su energía. Mercury que pese a tener voz de barítono, cantaba la mayoría de sus canciones en rango de tenor, luchando con su voz por llegar a notas muy altas pese a no haber tomado nunca clases de canto.

17. Bring Back that LeRoy Brown, esta pieza de charleston y swing es una de las características del grupo Queen que era capaz de interpretar prácticamente cualquier estilo musical que se propusiera, dada la calidad de sus componentes.

18. The Golden Boy, mezcla de obra operística con género musical al estilo Broadway y parte de gospel es esta canción que Mercury interpreta de nuevo junto a M. Caballé y que la gran mayoría desconoce. Sin duda indispensable para los que disfruten de obras complejas.

19. All God’s People, en 1991 Queen grabó su ultimo disco junto a Freddie Mercury, y este “All God’s People” es sin duda una de sus piezas más interesantes, con una canción que trabaja los ritmos y las incorporaciones vocales del grupo magistralmente. Mezcla de blues y Glam rock al estilo Queen.

20. We Are the Champions, para finalizar no puede faltar la canción con la que siempre terminaban los conciertos, este himno MUNDIAL que no puede faltar en ningún evento deportivo, obra del artista que nos dejó ya hace 20 años y que aún sigue con nosotros a través de su legado.

Sin duda uno de los mejores artistas de la historia del POP-ROCK que ha marcado un antes y un después en la historia de la música como ya lo hicieran los Beatles o Elvis.

Con todos ustedes, Freddie Mercury, que, además, también sabía versionar como nadie:

J. Palao

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BEATIFUL GIRLS

El guionista Scott Rosenberg autor de películas tan dispares como “Alta Fidelidad” o “Con Air”, se une al interesante director Ted Demme para ofrecernos esta joya llamada “Bautiful Girls”. El director, que falleció por un ataque al corazón en un partido de baloncesto, también nos dejó obras tan interesantes como “Blow” o el documental “A decade under the influence”.

Y es que la película que hoy os propongo, es una delicia para los sentidos.

Unos personajes muy bien construidos que, aunque se dibujan arquetipos,  reflejan la realidad más costumbrista, y por qué no, “provinciana” de nuestro entorno. Ofreciendo una credibilidad y una empatía absoluta en esta historia llena de “preguntas sin respuesta”.

Nuestro protagonista busca en su hogar un refugio donde poder tomar la decisión más importante de su vida: Madurar.

Una banda sonora perfecta, la dirección suave y ajustada sumados a un reparto excepcional, hacen de este viaje de dos horas, un entretenimiento que sin duda os dejará con una sonrisa en la boca.

Temas como la guerra de sexos, la amistad, la familia, el amor, la lealtad o la persecución de un sueño, se dan cita en este filme.

El elenco de auténtico lujo incluye a Matt Dilon, Timothy Hutton, Uma Thurman, Mira Sorvino o Michael Rappaport entre otros, pero personalmente me quedo con dos personajes que me hicieron vibrar. El de Rosie O’Donell que interpreta a la solterona con los pies en la tierra, y el de Natalie Portman, que interpreta aquí uno de sus dos mejores personajes (El otro es el de "Léon, el profesional"). Portman se mete en la piel de una niña de 13 años, que lejos de ser una “Lolita”, volverá loco al desorientado T.Hutton y posiblemente a todos los que vean esta cinta.

Los diálogos impecables de Rosenberg conducen esta historia, que conseguirá que la gran mayoría se vea identificada con alguno de sus personajes.

Escenas como la de las Top Models o la del supermercado, son algunos de sus momentos más geniales. Aquí os dejo un bocado de esta entrañable película que espero que disfrutéis tanto como yo:

J. Napier

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TIM BURTON Y EL EXPRESIONISMO

De un tiempo a esta parte hemos visto como las salas de cine se han ido llenando de toda clase de remakes, secuelas, precuelas, sagas y demás repeticiones de un mismo tema. Y está claro que la máxima actual del cine de Hollywood hoy en día es: si algo funciona, explotémoslo hasta la saciedad. Y eso no siempre es malo, ya que hay directores que han sabido aprovechar este tirón y crear un cine que, pese a sernos familiar o incluso parecer una copia de algo ya hecho, sigue pareciendo algo nuevo e incluso crean una identidad propia. Podría citar a los pocos directores que han conseguido esto, pero, por lo menos en este momento, me quedaré con uno: Tim Burton. Al ver su cine, algo nos resulta familiar, sus entornos atrayentes sus temas, sus personajes, todo su cine tiene un sello particular. Y ese “sello” que Burton ha creado ya estaba inventado, es más, se considera uno de lo primeros movimientos cinematográficos de principios del siglo XX: El expresionismo alemán.

El movimiento expresionista surgió en Alemania durante la República de Weimar y se manifestó en todas las artes pero el cine fue fundamental para la estética de este movimiento artístico, y así surgieron grandes maestros del cine como Robert Wiene, Fritz Lang o Friedrich Murnau con El Gabinete del Doctor Caligari, Metrópolis o Nosferatu. Tim Burton ha inspirado sus obras más relevantes principalmente en dos películas expresionistas: El Gabinete del Dr. Caligari, Robert Wiene (1919) y Nosferatu de F.W. Murnau (1922).

Los protagonistas masculinos de Vincent, Eduardo Manostijeras y La Novia Cadáver en comparación con el sonámbulo Cesare (El Gabinete del Dr. Caligari).

Ya desde sus inicios y con su primer cortometraje Vincent (1982) se nota que Burton era un apasionado de esta corriente artística. Con una fotografía en blanco y negro muy marcada y una estética claramente expresionista: jugando con la iluminación, utilizando claroscuros, sombras exageradamente alargadas, los decorados “vivos” que parecen interactuar con los personajes y además, donde también están presentes los planos y las perspectivas angulosas tan característicos del expresionismo alemán.

A este cortometraje le siguieron películas como Edward Scissorhands (1990). Lo que más destaca en esta película en relación al expresionismo son el castillo de Edward, el propio Edward y uno de los trasfondos de la temática. En este caso, los mundos se diferencian por la utilización de dos estéticas, una con decorados casi pop y la otra con una mezcla de expresionismo y gótico. Con esto Burton quería hacer un doble juego contrastando al máximo la estética de las diferentes realidades, tema que seguirá repitiendo a lo largo de sus obras.

Secuencias de Vincent (1982) con una secuencia de Nosferatu (Murnau, 1922) y del castillo de Eduardo Manostijeras con la Ciudad de Hollstenwald (El Gabinete del Dr. Caligari).

Una de sus películas insignia (la cual no dirigió) fue Pesadilla Antes de Navidad (1993). Esta película rodada con la técnica stop-motion destaca por su escenografía contrastada entre los diferentes mundos: Halloween Town con colores opacos, grisáceos y apagados, además de una iluminación tenue; Christmas Town donde todos los colores son alegres; y la realidad, que sería una mezcla de las dos anteriores. Y con ello remite a uno de los principios del expresionismo, el cual utilizaba los recursos visuales y arquitectónicos no únicamente con fines estéticos, sino que les confería vida propia para que ellos mismos transmitieran las ideas. Pero no solo la arquitectura se ve influenciada por la estética y las maneras expresionistas, sino que también el tema de la película bebe, de los temas característicos expresionistas como son los mundos fantásticos o las diferentes realidades.

Emily (La Novia Cadáver, 2005)  y la esposa de Vincent (Vincent, 1982) con en personaje creado por Robert Wiene, Jane (El Gabinete del Dr. Caligari, 1919).

De sus películas más recientes, con Corpse Bride (La Novia Cadáver, 2005) Burton continuó con su particular estética expresionista. Podemos comparar este largometraje con el film expresionista por excelencia: El Gabinete del Dr. Caligari, en relación a los decorados y en la inspiración de los personajes. Los decorados del mundo de los muertos recuerdan a la cuidad ficticia que aparece en El Gabinete del Dr. Caligari donde predominan las figuras asimétricas y las paredes diagonales. Pero estas no son todas las similitudes que podemos encontrar, Burton  también se ha inspirado en la estética de los personajes principales para realizar los suyos propios. Así podemos observar que el protagonista de Corpse Bride  (Víctor) tiene un parecido muy razonable con el sonámbulo Cesare, así como la novia cadáver, Emily se parece mucho a Jane, la protagonista femenina de la película de Wiene.

Después de lo anterior podemos observar que en la mayoría de las  películas de Burton la iconografía, estética, temática y simbología vienen del expresionismo. Pero teniendo esa corriente artística como base Burton ha logrado imprimir un sello propio que hace que al ver una de sus películas puedas reconocerla. Ha creado una marca propia, aunque se haya hecho antes. Algunos lo podrán llamar copia, otros homenaje, pero lo cierto es que su cine parece (o mas bien parecía) auténtico… 

- PG -

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BROTHERS IN ARMS

BROTHERS IN ARMS 

Hoy tengo el privilegio de estrenar este maravilloso blog hablando de música. Y creo que no hay mejor manera de hacerlo que con un clásico: Brothers in arms.

Podría contarles cómo este grupo inglés fundado en el año 1977, llegó al éxito a través de la genialidad de su líder, Mark Knopfler, cuando Charlie Gillet y John Stainze lo descubrieron.

De cómo sus miembros fueron cambiando añadiendo estilo a sus producciones pero sin variar el espíritu de su música. O incluso de cómo Dire Straits se convirtió en una de las bandas más importantes de la historia de la música.

Podría también hablarles de lo que supuso este disco en la historia del Rock, con más de 30 platinos. De cómo fue grabado, siendo uno de los primeros álbumes grabados en formato digital y editado en CD. Podría comentarles que su single “Money for nothing” fue uno de los primeros videoclips que emitió la MTV.

O incluso la cantidad de premios y récords que ha conseguido este álbum. Grammys a la mejor grabación, mejor interpretación Rock, e incluso un Grammy a la mejor re-masterización con sonido Surround… Récords como ser el 3er disco más vendido de los 80, o entre los 20 más vendidos de la historia.

Pero prefiero centrarme en su alma, su música. Hoy quiero recomendarles un disco para disfrutar “de cabo a rabo”.

Porque Dire Straits, hacía rock, pero un rock muy peculiar en el que la guitarra de Knopfler disfrutaba de más minutos musicales que su propia voz. Una elaboración musical atípica para un conjunto de Rock de los 80. Y es que cuando se formó el grupo, Mark tenía claro que su música debía ser “música de fondo”, con la que la vida diaria pudiera convivir. Después, con la llegada de Roy Bittan a los teclados, desarrollaron unas atmósferas muy agradables en sus arreglos, que terminaron convirtiéndose en el sello una banda, que tenía una configuración atípica por aquellos años: 2 Teclados, 2 guitarras, bajo y batería acompañando la voz de Knopfler.

Y es que en esta pequeña joya se encuentran canciones de gran peso en su mensaje, como son las 4 últimas pistas que hablan de la guerra (por entonces en El Salvador y Nicaragua), entre las que destaca “Brothers in arms”.

Canciones rockeras con las que practicar un poco de “air guitar”, como “Money for Nothing” en la que participa Sting en las voces.

Reminiscencias country, en las que se reconoce el estilo inconfundible del grupo. Como es el caso de “Walk of life”.

O algunas baladas con las que poder escuchando sus arreglos como “Your lastest trick”.

Éste, el 5º disco de Dire Straits, fue el más exitoso de una carrera meteórica desde el primer single del grupo, “Sultans of swing”, casi una década antes.

Existen muy pocos discos de los que todas las canciones sean buenas o interesantes. Y este es uno de ellos.

Si tienen la posibilidad, les recomiendo hacerse con la versión re-masterizada en surround del álbum y reproducirlo en un equipo adecuado para experimentar una grabación impecable.

Por que ¿Hace cuánto no se sienta a escuchar un poco de música sin hacer nada más que cerrar los ojos y disfrutar cada nota?

¡Esta es su ocasión!

J. Meddows

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